浅析中国画的艺术特征
中国画是我国古代重要的传统绘画，有着悠久的历史，是我国优秀传统文化的重要体现。中国画经历了长时期的发展，以及众多画家的长期创作与实践，在主题和内容上发展为山水、人物、花鸟三大画种，在表现形式和艺术风格方面则形成了工笔、写意两大流派。中国画鲜明的民族特色和独特的绘画技巧，形成了完整而系统的体系，在古代具有重要的地位，即便是今天，在世界绘画体系中仍占有一席之地，享有较高的声誉。
一 简析中国画艺术
中国画，简称国画，是指在绢、宣纸、棉帛上作画，并装裱后的卷轴画。中国画是汉族乃至中华民族特有的绘画形式，利用毛笔沾墨在绢或纸上作画，在线条、笔墨、意境等方面明显的风格特征。中国画按照题材可以分为人物、山水和花鸟，按照技法可以分为写实与写意。中国画的创作，是古人对自然、社会、生产、生活、宗教、哲学、道德等方面的认识，是古人思想和精神的反映。
由于中国画具有鲜明的艺术特征，本文将就中国画的意境、线条和色彩三个方面进行分析，从这三个方面阐述中国画的艺术特征，让读者对中国画的艺术特征有着更为清楚的认知和理解。
二 中国画意境的艺术特征
意境是中国画的最鲜明的特征，是指中国画中虚实相生、情景交融的形象所引发的情感体验，是一幅画作所体现的深邃思想内涵。追求意境，抒发强烈地主观情感，是中国画最主要的艺术特征。中国画的意境通常通过构思、取景、构图、造型，或主次关系、虚实关系等画面处理，以表现出画作的立意，突出气韵生动。在绘画的过程中，中国画借助线条、色彩、物象等都是为了表达意向，即意境，作为中国画的灵魂，在表现作品的强烈的思想感情的同时，对欣赏着有着持久的吸引力。中国画意境的艺术特征主要体现在以下几个方面：
1 虚实相生的意境
中国画的虚实相生意境表现通常是采取以虚景衬托实景的手法，虚景增加了想象空间，增强了画作的视觉表现力和艺术效果。虚实相生的意境通过虚与实的对比与烘托，突破实物的限制，借助欣赏者无限的想象，实现画家与欣赏者的思想交流，强化画作的思想表达。
近现代绘画大师齐白石先生非常善于运用虚实相生的意境，展现出作品深刻的内涵。如他创作的《蛙声十里出山泉》，画面中有青山、泉水、乱石以及蝌蚪，却没有一只青蛙，画家用蝌蚪表明了蛙声的来源，欣赏者也能够顺着蝌蚪联想到发声的青蛙。整幅作品没有出现一只青蛙，但是欣赏者能够通过想象体会到十里之外青蛙的叫声，无声的蝌蚪与有声的青蛙，两者的对比，展现出画作虚实相生的境界。
2 情景交融的意境
中国画在创作时，赋予客观事物以主观情感，以此达到对意境的表现，也就是中国画的意境强调情与景的融合。中国画通常会采取借景抒情的表现手法，侧重画面的思想表达和情感抒发，不会过于专注描绘客观事物，而是同时关注主题思想的表达。中国画情景交融的意境，将情与景融为一体，景中含情，情中带景，赋予自然事物以主观情感，增加画作的情感表现力。
宋代诗人苏轼开创了借景抒情艺术表现手法的先河，创作的《枯木怪石图》通过枯萎的草木和怪异的石头，以表现出作者本身郁结的心情。画家将无生命的物体赋予了有生命的感情，借此表达情感，看似是无意识地创作，实则为有意识的融合，由此情景交融成为了中国画意境的重要艺术特征。画家经常使用梅兰竹菊等事物表现高尚的情操和道德品质，这种借景抒情的表现手法在中国画中非常常见。如北宋画家郑板桥，擅长画竹、兰，表现画家顽强不屈、坚韧不拔、刚正不阿的高洁气质。这种托物言志以及情景交融的手法在中国画中非常普遍，画家借助事物，表达情感，丰富画面效果，增强人文内涵。
三 中国画线条的艺术特征
中国画采用以线条为造型手段，是其重要的艺术特点之一。翻看中国绘画史，不难发现早在新石器时代，古人就已经学会了在彩陶器上绘制人面鱼纹起到装饰的作用。随着时间的推移和中国绘画艺术的发展与成熟，线条早已成为中国画的重要元素。由于我国绘画受到老庄“天人合一”“阴阳相克相生”的哲学思想影响，艺术作品追求“情景交融”“物我同一”的境界，追求主观与客观的完美结合，因此，画家借助线条以描绘事物与画面，赋予画作浓厚的主观情感。画家在创作时，早已超越了线条所描绘的客观事物的约束，通过概况与提炼，融入作者的主观情感，达到写意传神的目的。西方绘画强调写实性，以科学的方法和态度尽可能展示客观事物真实的视觉感受，相比较而言，中国画具有更大的灵活性和主观性，在创作方面不受限制。此外，中国画家制造了各种不同的毛笔，为中国画的创作提供了工具的支持，画家也可借此勾勒出多变的线条。中国画线条的艺术特征体现在以下几个方面：
1 强有力的造型
中国画的线条具有很强的概括能力，能够以最简单的线条，准确、生动、迅速地勾勒出物象的形体，突出物体特征。画家可以用画笔描绘出任意想要表达的事物，简单几笔勾勒出人物或实物的造型，也可通过多种线条细腻地描绘出人物衣褶或远山上的青松。如宋代武宗元创作的《朝元仙仗图》，画面中的女性人物的皮肤圆润、细腻，衣装服饰飘逸、灵动，人物表情生动、自然，能够感觉到画面人物润滑的肌肤，逼真的血肉之躯，给人以强烈的视觉表现力，虽然绘画没有任何色彩，但是线条就足以表现出整幅画的艺术性。
2 丰富的情感 俗话说，画如其人，画家的性格、情感都通过画笔展现在画面上，也就是绘画是画家性格和情感的体现。中国画深受老庄“天人合一”思想影响，追求情景交融，画家在创作过程中，将线条作为手段，赋予线条以主观情感，丰富情感表达。中国画的线条是画家表现性格和情感的重要元素，如吴道子，性格奔放豪爽，用线挥洒自如，势如破竹；李公麟博学多才，用线带有着强烈的书卷气，线条细腻、婉转。
3 强烈的审美性
中国画的线条本身造型多变，或细或长、或粗或短、或刚柔并济、或抑扬顿挫，具有很强的审美性。欣长的竖线，倾泻而下，如同高山上落下的石头，势如破竹，不可阻挡，具有强烈的阳光之美；弯曲蜿蜒的曲线，婉约回转，荡气回肠，犹如少女转动的玉颈，具有阴柔之美；高古游丝描俊秀、修长、流畅，突显了连绵不断；枯柴描给人沧桑、凝重、老连之感。中国画多种线条造型，为画家提供了多种创作的技法，丰富了画作的艺术审美性。
四 中国画色彩的艺术特征
色彩是中国画最具视觉冲击力的元素，具有强烈的视觉吸引力和情感影响力。中国画的色彩不像其他绘画，在设色上具有高度概括性和浓缩性，即“随类赋彩”，是指根据物象种类的不同，进行概括性的设色，通常同一种类的物象会使用同一种颜色。虽然物象的颜色会千变万化，但是在中国画处理时，通常都会遵循一定的设色原则，体现出中国画色彩的高度概括性。中国画色彩的艺术特征主要体现在以下几个方面：
1 感性丰富，侧重写意
在西方的绘画中，色彩的处理非常客观，色彩都是反映出物象真实的颜色，特别是画家在作画时，非常注重光影的变化，通过观察和认知以表现出所绘事物的固有颜色、光源色和环境色，以展现出物象变化多端的色彩。但是中国画却非常不同，不注重物象的固有色，而是根据画家的情感赋予物象颜色，强调物象的意向性，即写意性，因此中国画画家不注重物象真实颜色的反映，不考虑光线、环境等因素。并且，中国画设色的主观性随着时代的变化而变化，如大唐盛世，国力强盛，人民安居乐业，画家喜欢使用华丽鲜艳的颜色，如大红、大绿；到了唐朝末年，国力衰弱，水墨画逐渐代替了绚丽的风格；及至宋代，内忧外患，国力大不如唐朝，绘画的设色就变得更为淡雅，以黑白两色为主。由此可见，中国画的设色不是反映真实的客观事物颜色，而是以主观情感为主，不受客观约束与限制，而是强调画家的内心情感，这也就体现出了中国画的写意性。
2 设色主次分明
西方绘画因为追求物象的真实颜色，颜色复杂多变，而中国画的色彩主要是为了体现主观情感，在设色方面比较简单，通常一幅画中，仅需设定一个主色调，其他颜色作为辅助颜色，体现出了中国画设色的主次关系。主色调在整体画面中起到主导画面的作用，其他颜色作为辅色，服务于主色，这样就使得整幅画颜色统一，欣赏者能够从颜色判定一幅画的主次关系。中国画的色彩搭配追求简单，给人清新、明快的视觉感受，也体现出了中国画的东方韵味，与西方绘画在色彩搭配上有着显著的不同。
3 重墨轻色
古人将赤、黄、青、黑、白五色作为基本颜色，对应于五行的各元素，认为五色能够代表世界一切的事物。在中国画中则通常以黑白两色为主色调，形成了鲜明的艺术特征，不同于西方绘画三原色的观念。在中国画在设色方面重墨轻色，推崇“水墨至上”，墨色是最主要的，其他颜色只是辅助颜色，使得中国画在世界画坛上独树一帜，形成了独特的绘画风格。中国画重色轻墨的设色特点是在漫长的发展过程中形成的。中国画最初是非常注重色彩的，新石器彩陶上复杂的色彩搭配就是体现；到了春秋战国和西汉时期，诞生了色彩斑斓绚丽帛画；及至魏晋南北朝时期，画家已经非常熟悉色彩的运用，善于色彩搭配；到了唐代，将浓郁的色彩推向顶峰，无论人物、山水、工笔画都大量使用颜色，并且技巧高超；到了宋代，国力衰弱，以及佛教思想的影响，色彩画开始向清新淡雅的水墨画发展，逐渐形成了重墨轻色的设色风格，以后中国画一直维持着这一色彩风格，最终成为了中国画重要的色彩特点。
五 结语
中国画是中国优秀传统文化的瑰宝，具有鲜明的艺术特征，体现出独特的艺术性，富含深刻的人生哲理。中国画在意境、线条、色彩等三方面具有深刻的艺术特征，认识和理解这些特征，有助于更好地体会画作的美感和意境，提升个人审美能力和艺术修养，培养人文素养，升华情感，对传承中华民族优秀的文化具有重要意义。
